Tora Frogner (geb. 1991) ist eine aufstrebende, in Kopenhagen ansässige norwegische Künstlerin, die mit Skulptur, ortsspezifischen Installationen und Mixed Media arbeitet. Sie hat in Europa und Nordamerika ausgestellt, und ihre Werke wurden an Käufer in Australien, Frankreich, Spanien und Norwegen verkauft. Außerdem wird sie bei BOON in Paris, Sirin Gallery und Audo House in Kopenhagen vertreten.
Tora ist Mitherausgeberin des Kunstbuchs Offentlighedens Rum (Räume der Öffentlichkeit, 2018), einer Sammlung von Bildern und Texten, die den Gebrauch und die Geschichten öffentlicher Räume beleuchten, mit Beiträgen von Mamma Andersson, Olafur Eliasson, SUPERFLEX, Tal R, Frode Grytten und 23 weiteren nordischen Künstlern.
Frogner arbeitet mit einer Vielfalt von Materialien und greift in ihrer Kunst oft wieder auf einfache Materialität wie Papier und Ton zurück. In ihrer Praxis fängt Tora Frogner Atmosphären der Natur mit abstrakten Formen und einsamen Haltungen ein, um eine Landschaft einer eigentümlichen Existenz zu schaffen, bei der nicht klar ist, ob ihre Kraft Lebendigkeit oder Verfall ist.
Wir trafen Tora in ihrem Atelier, um über Inspiration, Experimentieren und den Entstehungsprozess ihrer neuesten Kollektion, der Growth-Serie, zu sprechen.
Können Sie etwas darüber sagen, wie Sie sich Ihren Weg als Künstlerin und Schöpferin geebnet haben?
Ich habe schon immer eine starke Anziehung zum ästhetischen Bereich im Allgemeinen empfunden, einschließlich vieler verschiedener Arten kreativer Arbeit wie Tanz, Theater, Architektur und akademischem Umfeld.
Ich nehme nach wie vor gerne an all diesen Bereichen teil und suche in ihnen Inspiration. Die bildenden Künste haben jedoch immer das Rückgrat meiner Arbeit gebildet — ein natürlicher Kanal, über den ich die Welt um mich herum verarbeite.
Das Schaffen fühlte sich für mich immer sehr intuitiv an. Es ist ein Mittel, mit dem ich meine Neugier durch Spiel und kreatives Experimentieren erforschen kann. Das Schaffen hat mir geholfen, mit der Erkenntnis zurechtzukommen, dass die Welt ein Ort voller Möglichkeiten und ungeahnter Geschichten ist — und keine verschlossene Tür.
Wie hat Ihr Hintergrund in Architektur und Materialstudien Ihre künstlerische Arbeit geprägt oder inspiriert?
Mein architektonischer Hintergrund hat einen nachhaltigen Einfluss darauf, wie ich Raum wahrnehme und über dessen Bedeutung nachdenke. Mein Studium hat geholfen, meinen Blick zu schärfen und meine kritischen Fähigkeiten zu entwickeln. Infolgedessen sehe ich Dinge anders, im Guten wie im Schlechten. Als Folge interessiert mich zutiefst, wie wir Menschen uns in der Welt gestalten, mit der Welt leben und aus den uns umgebenden Materialien Räume und Objekte schaffen.
Es ist schwierig genau zu bestimmen, was man lernt, wenn man in einem bestimmten Bereich arbeitet, aber ich glaube, dass sowohl das stillschweigende als auch das explizite akademische Wissen, das ich erworben habe, meine Praxis in vielerlei Hinsicht geprägt hat. Umgekehrt glaube ich, dass mein architektonischer Hintergrund beeinflusst hat, wie ich die Erzählung eines Kunstwerks aufbaue und wie ich generell an die Arbeit mit den Materialien herangehe, zu denen ich mich hingezogen fühle.
Welche Art von Emotion oder Atmosphäre versuchen Sie in Ihren Kunstwerken einzufangen?
In meiner Kunst versuche ich, die Atmosphäre der Natur als materialisierte Porträts einzufangen — Standbilder von Bewegung und Zeit. Die Ausdrucksformen meiner Werke verweisen auf geologische Landschaften, Korallen, Holz oder Knospen, die kurz davorstehen zu erblühen.
Ich interessiere mich dafür, Artefakte zu schaffen, indem ich abstrakte Formen und Texturen hervorhebe, die dann eine Verbindung zwischen Natur und der Wahrnehmung der Natur herstellen. Genauso wie die Natur wachsen, entstehen und zersetzen sich auch menschliche Körper und gehen schließlich in etwas völlig Anderes über. Ebenso haben Dinge in der natürlichen Welt eine Lebensspanne, obwohl dieser Zeitrahmen viel schneller oder langsamer sein kann als der des Menschen.
Könnten Sie das Konzept hinter der Growth-Serie beschreiben?
In meiner Growth Serie arbeite ich mit dem Konzept der Vase als reine Form. Die aus Ton gefertigte Vase ist ein ursprüngliches Objekt, das im Laufe der Zeiten sowohl zur Aufbewahrung als auch zur Verzierung verwendet wurde. Ich liebe diese alten Archetypen und Traditionen, die ein gewisses universelles Gefühl vermitteln.
Konkret ist Growth eine Reflexion der Grenzen von Materialität. Die Skulpturen bestehen aus unglasiertem Steinzeug, wobei die Pigmente des Tons die Farben und Muster erzeugen.
Wovon haben Sie sich für die Growth-Serie inspirieren lassen?
Die Frage nach der Inspiration ist stets schwierig, denn die Antwort ist aus meiner Sicht sehr vielfältig. Ich habe keinen spezifischen Bezugspunkt, kein Objekt oder keinen Ort, aus dem ich Inspiration schöpfe, und meine Werke entstehen oft aus einer Sammlung von Gefühlen, die aus verschiedenen Lebenssituationen und Erfahrungen zusammengetragen sind.
Ich neige dazu, den Kontrast zwischen dem Robusten und Zerbrechlichen, dem Weichen und Harten zu suchen. Außerdem versuche ich, die Vorstellung zu erforschen, dass in allem, was uns umgibt, ein Aspekt von Zeit, Wachstum und Verfall steckt.
Landschaften inspirieren mich oft, weil diese offenen Räume eine Mischung aus vielen Materialien, Farben und Texturen enthalten, aber auch Erzählungen und Geschichten.
Wie sieht Ihr Arbeitsprozess typischerweise aus?
Ich träume davon, beim Arbeiten in meinem Atelier einen strukturierten Arbeitsablauf zu haben, doch in der Praxis gelingt mir das nie so recht. Seltsamerweise glaube ich, dass die besten Arbeiten, die ich bisher geschaffen habe, aus einem Moment des Zufalls entstanden sind. Hinter diesen Momenten liegen jedoch Stunden harter Arbeit, verworfene Formen und Skizzen, mit denen ich nicht zufrieden bin.
Mein Schaffensprozess ist sehr offen. Wenn ich ins Studio gehe, um zu experimentieren, versuche ich, mich der Mehrdeutigkeit des kreativen Prozesses hinzugeben. Manchmal äußert sich das im Skizzieren, doch oft lasse ich meine Hände führen und forme allmählich ein Konzept oder eine Form, die klarer wird, während das Werk entsteht.
Ich nehme mir auch Zeit zur Erholung, gehe spazieren, lese und ordne. Einige meiner Werke entstehen intuitiv und werden im Dialog mit dem Material geschaffen. Andere Projekte ruhen jahrelang in meinem Kopf, bis ich sie schließlich hervorlocke und zum Leben erwecke.
Was macht Minimalismus oder Einfachheit attraktiv? Und wie arbeiten Sie mit dem Konzept des Minimalismus in Ihrer Arbeit?
Ich glaube, dass Einfachheit für uns so anziehend ist, weil sie den Details den Mittelpunkt verschafft. Allerdings ist Einfachheit vielleicht am überzeugendsten in Verbindung mit hochwertigen Materialien und ansprechenden Formen. Ohne Liebe zum Detail und handwerkliche Qualität können minimalistische Objekte oder Innenräume schnell langweilig oder entfremdend wirken.
Gutes Design wird oft als ästhetische Bombardierung von Farbe, Form und Haptik wahrgenommen. Ich glaube jedoch auch, dass es wichtig sein kann, den Sinnen Ruhe zu gönnen — durch Einfachheit oder Minimalismus. Richtig umgesetzt kann Sparsamkeit zu einer Art Meditation werden.
Wie sah der Zeitplan bei der Entstehung der Growth-Serie aus?
Jedes Stück der Growth-Serie benötigte zwischen 6 und 8 Wochen zur Fertigstellung. Vom Aufbau über das Schnitzen bis zum Trocknen kann der Prozess, eine Skulptur zu schaffen, sehr langsam sein. Ich beginne immer mit einer Vorstellung davon, wie das fertige Stück aussehen wird — Form, Farbe und Tone. Dennoch gibt es während des Aufbaus einen natürlichen Sinn für Entwicklung und Fluidität. Jede Skulptur ist einzigartig, und ich betrachte jedes Werk als ein kleines Lebewesen, das gemeinsam mit mir wächst, während ich daran arbeite.
