Im Rahmen der 3 Days of Design präsentiert Audo House eine neue Ausstellung mit der niederländischen Künstlerin julie haverkamp mit dem Titel „in-between moments“. Die gemeinsame Kollektion lässt sich von der Vergänglichkeit der Zeit, dem Fernweh und der Suche nach dem Raum dazwischen inspirieren. Unser Gespräch mit Julie beleuchtet ihren Prozess und die Philosophie hinter der Kollektion.
Könntest du uns ein wenig darüber erzählen, wie du zur Kunst gefunden hast?
Alles begann, als ich sehr klein war – ich habe schon immer gezeichnet, da ich in einer kreativen Familie aufgewachsen bin; beide Großeltern waren Architekten.
Als ich mein Studium am Amsterdam Fashion Institute begann, stand ich unter großem Stress und dem Druck, mit meinen Projekten erfolgreich zu sein, sodass das Zeichnen eine Möglichkeit wurde, wieder zur Ruhe zu kommen. Es wurde mein Mittel zum Überleben. In meinem dritten Jahr begann ich ein Minor am ArtEZ Art Academy in Zwolle, wo sich mir eine völlig neue Welt öffnete. Ich lernte neue Techniken und begann, ganze Serien von Porträts zu malen. Ich setzte mehr Farbe und Struktur ein, was es mir erlaubte, mich noch weiter zu treiben. Es gab nur eine Sache, die meine Kreativität hemmte – Perfektion. Ich hielt immer an der Perfektion des Fotos fest, so sehr, dass ich die Freiheit meiner eigenen Kreativität verpasste.
Es gab einen Punkt, an dem ich all die Arbeiten der Vergangenheit betrachtete und begann, Wege zu suchen, mich herauszufordern. Ich musste eine neue Art finden, meine Gefühle auszudrücken, aber mit weniger Perfektion. Ich begann, meine Emotionen durch tiefe Farben und abstrakte Formen zu kanalisieren und eine nie endende Geschichte zu spielen.
Schließlich wurde das Malen zur ultimativen Ausdrucksform meiner Gefühle.
Wie beeinflusst oder inspiriert dein familiärer Hintergrund in der Architektur deine Kunst?
Das Aufwachsen in einer kreativen Familie hat mir eine neue Perspektive darauf gegeben, wie Dinge entstehen und wie Ideen zur Realität werden. Ich war immer in Projekte involviert, an denen meine Familie arbeitete, und verstand so, dass allem harte Arbeit vorausgeht. Das Aufwachsen in einer Familie mit Hintergründen in Mode und Architektur zeigte mir, dass ich hart arbeiten muss, um etwas zu erreichen, wovon ich träumte.
Es hat mir außerdem ein Auge fürs Detail gegeben, das mir nützlich ist, wenn ich nach Inspiration suche oder an einem Kunstwerk arbeite. Ich lasse mich gern von Architektur, Inneneinrichtung und Mode inspirieren, daher kann ich ohne Zweifel sagen, dass diese Bereiche meine Kunst stark beeinflussen.
Wie würdest du deine Kunstwerke beschreiben?
Ich finde, meine Werke sind abstrakt, tragen aber viel Emotion. Da ich das Malen nutze, um mich aus dem Trubel zu navigieren, denke ich auch, dass die Gemälde dem Betrachter eine Art Ruhe vermitteln können.
Woher schöpfst du deine Inspiration?
Ich reise gern an Orte, an denen ich neue Formen, Stimmungen und Farben entdecken kann. Ich mache stets Fotos von ungewöhnlichen Perspektiven oder kleinen Akzenten, die mir auffallen.
Es gibt auch einige Künstler, von denen ich mich einfach nicht lösen kann. Zum Beispiel Mark Rothko, ein sehr emotionaler Künstler, der den intimen Raum zwischen Gemälde und Betrachter suchte. Seine Fähigkeit, den Betrachter in das Bild hineinzuziehen, fand ich immer unglaublich faszinierend. Ich habe versucht, seine Malweise und den gekonnten Einsatz von Farben in meine eigene Kunst zu übertragen.
Ein weiterer Favorit ist Alexander Calder. Ich bewundere, wie er mit Bewegung und Formen spielte, denn ein Blick aus einer anderen Perspektive lässt uns Neues in seinen Werken erkennen. Er übertrug unglaubliche Verspieltheit in seine Verwendung von Primärfarben und abstrakten Formen und nicht zu vergessen die übergreifende Balance, die in seinen Arbeiten stets zu finden ist.
Könntest du uns Einblicke in deinen Arbeitsprozess geben?
Ich beginne nie mit einem festen Plan – mein Prozess startet damit, dass ich Leinwände aus unbehandelter Baumwolle vorbereite. Dann beginne ich mit der ersten Schicht des Hintergrunds. Die von mir gewählte Farbe hängt von der jeweiligen Stimmung oder Emotion ab, die ich in dem Moment empfinde. Anschließend verdünne ich einige Farben stark mit Wasser, um sehr dünne Schichten übereinander zu malen. In dieser Phase lasse ich mich oft treiben. Es entstehen Schichten über Schichten hellerer Farben, um Tiefe zu erzeugen. In der zweiten Phase beginne ich, Formen übereinander zu legen, die ich mit einem kleinen Cuttermesser und Klebeband erzeuge. In dieser Phase arbeite ich mit verschiedenen Medien, um diesen Formen etwas Struktur zu verleihen. In der letzten Phase vollende ich das Werk, indem ich einige Akzente setze oder Linien verbinde, um das Auge über das Bild wandern zu lassen.
Könntest du bitte das Konzept hinter „in-between moments“ beschreiben?
Das Konzept der Kollektion steht in engem Zusammenhang mit meinen Gedanken während der COVID‑Pandemie. Ich dachte über den extremen Mangel an Intimität, Reisen und Berührung nach. Das Entstehen der Kollektion war eine Art Heilmittel für mich, das es mir erlaubte, zu träumen und über mich nachzudenken – über all die guten und schlechten Dinge, die ich durchgemacht habe. Ich erinnerte mich an meine Reisen zum alten Familienhaus in Südfrankreich, in das wir immer im Sommer fuhren. Audo House erinnert mich an diesen Ort, vor allem wegen der auffallend hellroten Fassade und dem warmen Gefühl, das ich beim Betreten habe. An solchen Orten erleben wir alle unterschiedliche Momente – wir werden immer „in-between moments“ haben.
Die Kollektion heißt „In-between Moments“ und ist inspiriert vom Vergehen der Zeit, dem Träumen von der Ferne und der Suche nach dem Raum dazwischen.
Ich habe eine Kollektion geschaffen, in der das Auge in verschiedene Schichten und Texturen des Bildes eintaucht. Ich fordere den Betrachter heraus, das Kunstwerk mit seinen Augen zu berühren.
Wie lange dauert es, ein Kunstwerk von der ersten Idee bis zum fertigen Stück zu schaffen?
Es ist schwer, einen genauen Zeitrahmen zu benennen. Manchmal arbeite ich länger am Hintergrund, und manchmal schichte ich die Formen stärker. Als ich an meiner Kollektion für Audo House arbeitete, war ich mit einem Arbeitsplan ziemlich zufrieden. Ich spürte den Fluss der Energie, was es mir erleichterte, länger daran zu arbeiten.
Wie bist du während Corona an deine Arbeit herangegangen und wie hat diese Zeit der Isolation und Reflexion dich beeinflusst?
Ich denke, für viele Menschen war es wichtig, sich auf ihre Kreativität zu konzentrieren. Wir alle mussten ein Medium finden, durch das wir unsere Emotionen und Gefühle darüber ausdrücken konnten, was in der Welt geschah.
Zu der Zeit hatte ich gerade das erwähnte Kunst‑Minor abgeschlossen, sodass ich die Zeit hatte, mich wirklich herauszufordern. Der Stillstand bot mir die Gelegenheit, mit verschiedenen Materialien, Farben, Schichten und Formen zu experimentieren. Während sich meine Kreativität positiv entwickelte, gab es auch schwierige Momente, in denen ich mich einsam fühlte, allein im Atelier zu sein.
Ich denke, diese verrückte Zeit hat mich über die Dinge nachdenken lassen, die mir fehlen. Ich vermisste echten menschlichen Kontakt, die Intimität mit meinen Liebsten, das tatsächliche Erfühlen von Texturen und Materialien, das Reisen zur Inspiration und das Erleben unerwarteter Ereignisse, die hin und wieder passieren.
Wie bist du während Corona an deine Arbeit herangegangen und wie hat diese Zeit der Isolation und Reflexion dich beeinflusst? Wie steht deine Kollektion im Zusammenhang mit dem Interior‑Design‑Konzept von Audo House?
Ich besuchte Audo House letzten Oktober auf einer Reise mit meiner Mutter, und es fühlte sich einfach wie zu Hause an. Es war so warm und einladend, und das ist ein Aspekt, auf den ich bei der Entstehung der Kollektion zurückgegriffen habe. Ich lasse mich gerne von Linien und Formen inspirieren, die in der Inneneinrichtung zu finden sind. Die Kollektion wurde von Audo Copenhagen und der Stimmung von Audo House inspiriert und fügte sich dann als Ganzes zusammen.
„In-between Moments“-Werke sind im Laden erhältlich.
