Wir hatten das Vergnügen, mit Manuela Guidarini zu sprechen und sie sowie ihre Arbeit besser kennenzulernen. Guidarini ist eine italienische Autodidaktin mit Interesse an geometrischen Formen und Kompositionen, was sich auch in ihren schönen Arbeiten zeigt.
Könnten Sie sich kurz vorstellen und uns etwas über Ihren Hintergrund erzählen?
Ich wurde in Italien geboren und bin dort aufgewachsen. Meine Erinnerungen an diese Zeit sind zum Teil sehr intensiv und bewegt. Nach meinem Masterabschluss in Architektur habe ich meine Wurzeln hinter mir gelassen und bin ins Ausland gezogen. Zunächst ließ ich mich in London nieder, wo ich als Innenarchitektin arbeitete. Meine Zeit dort war außergewöhnlich, aber sehr intensiv. Nach meinem Umzug nach Kopenhagen im Jahr 2019 hatte ich endlich die Möglichkeit, zur Ruhe zu kommen und eine introspektive Reise zu beginnen, die mich der asiatischen Kultur und ihren Werten näherbrachte. Ich begann, das Malen als Ritual zu betreiben und fand Frieden in der Ruhe strenger und einfacher geometrischer Formen. Für jemanden, der eine chaotische Kindheit erlebt hat, ist das Schaffen rigoroser und minimalistischer Kunst eine Art, Ordnung in eine Welt zu bringen, die sich manchmal überwältigend und unkontrollierbar anfühlt. Der Fokus auf die wesentlichen Elemente meiner Arbeit hat es mir ermöglicht, ein Gefühl von Ausgewogenheit zu schaffen, das mir beim Aufwachsen gefehlt hat. Unbewusst bemühe ich mich, meiner Kunst ein Gefühl von Ruhe und Gelassenheit zu verleihen, das den Betrachter einlädt, langsamer zu werden und den gegenwärtigen Moment zu betrachten.
Können Sie erläutern, was Ihren Weg zur Künstlerin geebnet hat?
Ich habe mich schon immer viel lieber durch grafische Kunst ausgedrückt. In meinen frühen Jahren experimentierte ich mit verschiedenen Medien, von Ton über Radierung bis hin zu Aquarell. Ich liebe es, eine Idee, die ich entwickeln möchte, zu beobachten und darauf zu reagieren – das können einfache Elemente wie Schattierung, Bewegung oder Kontrast sein – und zuzusehen, wie sie sich auf der Leinwand formt. Ich glaube, als ich mir erlaubte, Künstlerin und nicht nur Architektin zu sein, erlaubte ich mir, authentischer zu sein. Meine Kunst behandelt viele Themen, die mit Architektur und Geometrie verbunden sind, wie Balance und Stille. Sie ist zudem ein Spiegel meiner persönlichen Werte und Überzeugungen. Kunst ist ein mächtiges Mittel für Selbstausdruck und Heilung und hat mir sicherlich geholfen, einige Erfahrungen aus meiner Vergangenheit zu verarbeiten und zu verstehen.
Woraus schöpfen Sie Inspiration für Ihre Kunstwerke? Wie hat Ihr architektonischer Hintergrund Ihre Arbeit als Malerin geprägt und beeinflusst?
Das Architekturstudium hat alles verändert. Insbesondere die Auseinandersetzung mit rationalistischer und modernistischer Architektur – sehr geometrisch definiertes Design mit wenig Ornamentik – hat meine Ästhetik so stark geprägt, dass sie schließlich in jede grafische Darstellung eingeflossen ist. Diese Werte beeinflussten mich nicht nur als Malerin, sondern als Mensch. Das Weglassen aller nicht-essentiellen Elemente ist allgemein ein wichtiger Bestandteil meiner täglichen Entscheidungen geworden.
Mit eigenen Worten: Was zeichnet Ihre Kunstwerke aus?
Ich male abstrakte Leinwände, auf denen geometrische Formen fragmentierte architektonische Strukturen bilden. Ich entferne nicht-essentielle Elemente und konzentriere mich auf das Wechselspiel von Form und Farbe. Ich bin stark beeinflusst von Künstlern mit einer Vorliebe für gedeckte Töne – wie Vilhelm Hammershøi – und das hat intuitiv meine charakteristische Farbkombination aus Rot-, Sand- und Schwarztönen geprägt.
Wie sieht typischerweise Ihr kreativer Arbeitsprozess aus?
Jedes Werk wird individuell konzipiert und handgefertigt. Intuitiv werde ich stets von denselben Prinzipien, Proportionen und Farbtönen geleitet. Ich habe ein schönes Pinnboard zu Hause, das ich gern mit Bildern bestücke, die mich fesseln – von Farben über Muster bis hin zu Stimmungen und architektonischen Referenzen. Wenn ich eine starke Idee habe, skizziere ich sie meist von Hand und erkenne sofort, ob sie etwas ist, das ich weiterentwickeln möchte und das mich intuitiv repräsentiert. Anschließend arbeite ich mit einer digitalen Software, um Proportionen und Farbtöne genauer zu studieren, bevor ich auf die Leinwand wechsle, wo ich in der Regel viel Zeit mit Klebeband und Lineal verbringe. So obsessiv es auch klingen mag, es bereitet mir große Freude, Formen und Volumen zu gestalten. An jedem Werk zu arbeiten schenkt mir Fokus und Ruhe.
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