Wir hatten die Ehre, uns mit Fanny Bylund, der schwedischen Keramikkünstlerin, zusammenzusetzen – lesen Sie unser Interview, um Einblicke in Fannys Arbeit zu erhalten und mehr über die Kollektion zu erfahren, die sie exklusiv für the Audo House geschaffen hat.
Könnten Sie Ihren kreativen Werdegang beschreiben und wie Sie dazu kamen, mit Skulpturen und Kunst im Allgemeinen zu arbeiten?
Als Einzelkind aufgewachsen, habe ich mich in meiner eigenen kreativen Welt beschäftigt, und genau das mache ich bis heute in meinem Atelier.
Ich habe einen Bachelor in Medium- und materialbasierter Kunst von der Oslo National Academy of the Arts, mit Schwerpunkt Keramik. Davor war ich zwei Jahre an einer schwedischen Folkhögskola und habe mich auf keramische Formgebung konzentriert. Ton ist das Material, in dem ich am besten arbeite; es passt zu meinem Tempo und meiner Denkweise. Wenn ich mich bewege, bewegt sich der Ton – wie der Bildhauer Tony Cragg einmal sagte. Ich liebe die Möglichkeit, sowohl Material hinzuzufügen als auch wegzunehmen.
Woraus schöpfen Sie Inspiration für Ihre Kunstwerke?
Ich schöpfe viel Inspiration aus Formen, die ich in der Natur sehe, aber auch aus organischen Formen, die mir im urbanen Alltag begegnen. Zum Beispiel in der Obst- und Gemüseabteilung oder trockene Blätter auf dem Boden. Die scharfen Kanten der Bananenschale, wo sich die Seiten treffen, oder die runde, flache Form einer getrockneten Bohne zum Beispiel.
Was charakterisiert Ihre Kunstwerke, in Ihren eigenen Worten?
Wenn ich meine Skulpturen fertige, konzentriere ich mich auf Rhythmus, Balance und Kontraste. Ich sehe meine Arbeit als Balance zwischen architektonischen, klaren Formen und organischen, weichen Gestalten. Ich mag sowohl den minimalistischen Ausdruck als auch den fließend-organischen Ausdruck. In meinen Skulpturen versuche ich zu erforschen, wie schlicht eine Form sein kann und dennoch für mich interessant bleibt.
Wie sieht Ihr Arbeitsprozess in der Regel aus?
Es beginnt mit einer vagen Skizze. Wenn ich mir nicht vorstellen kann, wie etwas, das ich gezeichnet habe, in 3D aussehen würde, muss ich es modellieren. Wenn ich anfange zu bauen, versuche ich offen dafür zu bleiben, wie sich der Ton verhält, und dem Ton Raum zu geben, sich ebenfalls auszudrücken. Wenn der Ton auf eine interessante Weise zusammenbricht, versuche ich das vielleicht zu betonen, anstatt strikt an der Skizze festzuhalten.
Ich baue meine Skulpturen von unten nach oben auf. Die Größe der Basis bestimmt die Größe der Skulptur. Die Technik heißt Coiling; es ist, als würde ich meine Stücke mit einem Faden aus Ton stricken, und alle Skulpturen sind hohl.
Beim Bauen geht es viel um Timing. Wenn ich zu schnell baue, ist zu viel weicher Ton auf einmal vorhanden und die Skulptur bricht zusammen. Wenn ich zu lange warte, trocknet der Ton aus und ich kann nicht weiter formen oder neuen Ton hinzufügen. Wenn ich eine Skulptur baue, muss ich völlig im Moment präsent sein und allein in meinem Studio sein, nur mit dem Radio als leises Hintergrundrauschen.
Zuletzt: Welches ist Ihr Lieblingsstück dieser Kollektion und warum?
Um ehrlich zu sein, und vielleicht ein wenig kitschig, ist meine Lieblingsskulptur immer die, an der ich gerade arbeite, oder die nächste, die entstehen wird. Ich bin nie zu 100 % zufrieden, was ich als etwas Positives sehe, weil es mich dazu bringt, es beim nächsten Mal besser machen zu wollen.
Um die Frage jedoch besser zu beantworten, würde ich sagen, dass momentan meine Lieblingsskulptur die große, runde, eher flache ist – sie nimmt viel Raum ein, tut das aber gleichzeitig nicht. Ich habe kürzlich angefangen, mit Glasurdetails zu experimentieren und versuche, Glasur als eine andere Art von Oberfläche zu betrachten. Ich mag den Kontrast zwischen der matten, rauen Oberfläche und der glänzenden, glatten. Eine interessante Kombination sowohl für die Hand als auch für das Auge.
