Balanceakt

Vom Tänzer zum Designer: Colin King spielt mit Magie und Bedeutung mit Interconnect, seinem markanten Kerzenhalter für Audo.

Professionell als Tänzer ausgebildet, bewegte sich Colin King an der Schnittstelle zwischen dem raumbewussten Blick eines Tänzers und dem Impuls eines Stylisten, diesen zum Leben zu erwecken, bevor er in den Bereich Produktdesign vorstieß. Derzeit in Tribeca, New York City, ansässig, balanciert er zwischen Einsätzen am Set, Styling und Entwerfen in seinem Studio. Colin hat für große Publikationen wie Architectural Digest und T Magazine gestylt und betreut ein vielfältiges Klientel aus den Bereichen Produkt- und Inneneinrichtung. Er lässt sich kontinuierlich von den alltäglichen Ritualen, Gesten und Unvollkommenheiten des Lebens inspirieren – die durch ihre sich stets wandelnde Präsenz in einem Raum schön werden. Wir sprachen mit dem Multitalent über sein Interesse an Design und den einjährigen Prozess zur Entstehung von Interconnect, Audos neuestem Kerzenhalterdesign.

Wann haben Sie erstmals Interesse am Design entwickelt?

„Ich weiß nicht, ob es je einen festen Anfang gab, aber eines ist beständig geblieben: die Verwendung einer Kamera, um eine Art des Sehens festzuhalten. Mit einer Kamera braucht es konstante Übung, um das Gefühl oder die Anordnung von Objekten zu finden und sie in ein zweidimensionales Bild zu übersetzen. Das ist die endlose Praxis, aus der ich gewachsen bin; etwas, das man erlebt, zu nehmen und so lange anzuordnen und neu anzuordnen, bis es in ein Bild übersetzt ist, das ein Gefühl bindet.“

Und wie sind Sie zum Design gekommen?

„Technisch gesehen habe ich keine formale Designausbildung. Es war Selbststudium durch Stunden in Museen und Galerien und Zeit, die ich damit verbrachte, Bücher durchzublättern. Meine Herangehensweise an Design ist weitaus lockerer als der industrielle ‚Standard‘. Styling und Fotografie haben meinen Designprozess geprägt, sodass ich mich oft wie ein hybrider Kreativer fühle. Mehr noch als Designer bin ich in erster Linie ein Lernender: Je mehr ich lerne, desto weniger fühle ich mich, als könnte ich mich auf einen einzigen Titel beschränken.“

Was hat Ihre Designprinzipien und -philosophie geprägt?

„Aufgewachsen im ländlichen Ohio, hatte ich schon immer eine Wertschätzung für die Natur und fühlte mich ihr eng verbunden. Darüber hinaus hat mich das Tanzen Disziplin gelehrt und mir ein Vokabular jenseits der Sprache gegeben; es lehrte mich räumliches Bewusstsein und die Fähigkeit, einen Sinn in einen anderen zu übersetzen. Ich lernte, visuelle Nuancen schnell zu erfassen, weil man beim Training erwartet wird, Kombinationen fast sofort zu lernen.

Es gibt eine Verbindung zwischen der Liebe zur Natur und dem Lernen des Tanzens. Sehr oft finde ich mich irgendwo dazwischen: eine Linie, eine Geste, eine Absicht oder eine Emotion zu vollenden.“

Wer oder was war am einflussreichsten für Ihre Kreativität?

„Wir werden alle so sehr durch unsere Erfahrungen und die vielen Menschen, die im Laufe der Zeit in unser Leben treten, geformt. Von Tanzlehrern bis zu Hochschulprofessoren – diejenigen, die in mir das sahen, was ich selbst nicht sehen konnte. Diese Personen in meinem Leben ermutigten mich, eine Karriere zu verfolgen, von der ich nie gedacht hätte, dass sie möglich wäre. Mentoren haben eine besondere Beziehung zur weitergegebenen Zuversicht. Das ist ihr Geschenk an uns in Phasen, in denen wir es zum Wachsen brauchen.“

Was macht gutes Design aus?

„Gutes Design entsteht, wenn ein Raum so wirkt, dass er unvollständig wäre, wenn man etwas bewegen oder wegnehmen würde. Ein guter Schnitt – ein kalkuliertes Maß an Zurückhaltung – zeigt uns, wann eine Idee so belassen werden sollte, wie sie ist. [Gutes Design] lebt auch im Kontrast der Materialien. In der Mischung unwahrscheinlicher Gefährten und neu entstandener Perspektiven erkennt man ein Ensemble in einem neuen Licht und denkt: ‚Das liebe ich‘, selbst wenn man im Begriff war, es hinter sich zu lassen. Ich glaube, daraus entsteht die beste Art von Design.“

Erzählen Sie uns, wie Sie an Ihre Arbeit als Designer herangehen.

„Es beginnt normalerweise mit einer visuellen Referenz – einem Ausgangspunkt. Durch Archive gespeicherter Bilder in einer großen Büchersammlung zu stöbern. Jedes Mal, wenn ich mit einem anderen Projekt im Kopf durch sie blättere, sehe ich etwas, das ich zuvor nicht gesehen habe – oder ich sehe es in neuem Licht. Der nächste Schritt ist, etwas Raum zu lassen. Ich versuche nicht zu überplanen. Es muss Platz geben, um aufzubauen und einem Projekt Raum zum Atmen zu lassen, um Raum für eine überraschende Begegnung oder einen glücklichen Zufall zu lassen. Und wenn sich alles zusammenfügt, gibt es ein neues Gefühl von Selbstvertrauen. Beim nächsten Mal, wenn Risiko oder Zufall aufkommen, fällt es einem leichter, sie hereinzulassen.“

Was ist Ihre charakteristische Designphilosophie?

„Die Natur demütigt mich und erinnert mich daran, die Perfektion loszulassen. Es gibt viel Schönheit an unerwarteten Orten. Auch die Maßstäbe erinnern mich daran. Wenn ich mit Übertreibungen spielen kann, ohne die Praktikabilität zu verlieren, weiß ich, dass ich ein notwendiges Gleichgewicht verfolge. Es gibt immer einen Mittelweg zwischen Kontrolle und Loslassen – und nichts sollte zu modern oder zu klassisch wirken. Im Laufe des Lebens begegnen uns ständig Lektionen zur Balance, daher ist es nur natürlich, das in die eigene Schaffensphilosophie einfließen zu lassen.“

Was ist der beste Teil Ihrer Arbeit?

„Der beste Teil jeder Arbeit ist die Zusammenarbeit mit anderen Kreativen. Menschen stehen immer im Zentrum der Projekte, die ich am meisten liebe. Aber ich kann nicht leugnen, dass es als Stylist wundervoll ist, in wirklich gut gestalteten Häusern zu sein. Und in dem Moment, in dem man zurücktritt und die Arbeit seiner Hände sieht, das Ergebnis eines Teams, die Fotos eines Shootings – ist es wie ein Lesezeichen zu einem neuen Kapitel.“

Welche Künstler und Designer haben Ihre Arbeit am meisten beeinflusst?

„Vilhelm Hammershøi und Johannes Vermeer haben eine sehr einflussreiche Rolle in meiner Arbeit gespielt. In diesen Werken liegt ein Gefühl von Licht und Atmosphäre, das intim wirkt und etwas in sich trägt, das einen hineinzieht – die Dunkelheit darin. Ich liebe auch Werke von Giorgio Morandi, Isamu Noguchi und Alexander Calder. In diesen Arbeiten gibt es einen verspielten Einsatz von Bewegung und Geometrie, der ein Gefühl von Balance inspiriert.“

Gibt es andere kreative Bereiche, die Ihre Arbeit beeinflussen?

„Fotografie, Kunst, Film... Ich bin immer wieder beeindruckt von den ‚Machern‘ – Menschen, die mit ihren Händen erschaffen. Die Alltägliches nehmen und daraus etwas Schönes machen. Die das Selbstvertrauen haben, sich auszudrücken und keine Angst davor haben, wer sie sind. Musik ist ebenfalls ein Einfluss. Sie kann einen an einen anderen Ort und in eine andere Zeit führen oder einem helfen, im Jetzt verwurzelt zu bleiben.“

Was hat Sie dazu inspiriert, Interconnect zu schaffen?

„Als Stylist liebe ich die Idee eines Kerzenhalters, aber er wirkte durch die Linse der Kamera oft unzureichend. Ich begann mit dem Maßstab und wusste, dass ich etwas mit echter Präsenz schaffen wollte. Etwas mit Weite, das allein oder mit anderen Objekten bestehen kann. Wichtig war die Idee, dass es auch als Skulptur funktionieren soll, die mit oder ohne brennende Kerze gut aussieht. Ich wollte etwas schaffen, das ein Eigenleben über seine beabsichtigte Nutzung hinaus hat.“

Wie lange hat die Entwicklung gedauert?

„Fast ein Jahr. Und das ist für mich eine völlig andere Erfahrung. Als Stylist gehört es zu meinen Aufgaben, entscheidungsfreudig zu sein und derjenige zu sein, der sagt: ‚Ja, das sieht gut aus.‘ Das ist nicht nur Teil meines Jobs, sondern buchstäblich das, wofür mich Leute bezahlen. Also ist es ein großer Schritt, ein Jahr lang in einem Zustand dauernder Entscheidungsfindung zu verweilen. Es erfordert Vertrauen in die ursprüngliche Idee und die Bereitschaft, sie durchzuziehen. Aber ich meine es ernst, wenn ich sage, dass es eine großartige Erfahrung war. Diese frühen Konzepte in Händen zu halten und sie dann zum Leben erwachen zu sehen, war sehr demütigend und lohnend.“

Was hat den Stil davon beeinflusst?

„Geometrie und dramatische Proportionen. In meinen Augen gibt es makellose, grundlegende Prinzipien der Geometrie. Die Formen, die das gut repräsentieren, sind Kugel, Winkel und Linie. Einfache Formen werden überzeichnet und es entsteht ein Objekt mit einer Schlichtheit, die Bände spricht.“

Welche Überlegungen hatten Sie beim Entwurf?

„Die Form war natürlich ein Hauptfokus. Wichtig war es, das Verhältnis der Basis zur Schlankheit des Stiels richtig zu treffen. Die Winkel, an denen Teile zusammenkommen und sich dann wieder trennen, spielen ebenfalls eine große Rolle. Die Materialität war eine echte Lernkurve und eine wunderbar bereichernde Erfahrung, die ich gemeinsam mit the Audo Team durchlaufen habe. Es gibt eine umfassende Berücksichtigung von Nachhaltigkeit und die Absicht, nicht zu viel Abfall bei der Produktion dieser Kerzenhalter zu erzeugen. Wie können Formen verwendet werden, ohne überschüssig zu sein. Gleichzeitig gab es die Überlegung der Langlebigkeit. Ich musste ein Stück schaffen, das transportfähig ist und nicht zu zerbrechlich. Das genug Stabilität hat, um genutzt zu werden. Das mit der Zeit wächst und an Schönheit gewinnt mit jeder Macke, jedem Kratzer oder verbleibenden Wachsrest einer angezündeten Kerze.“

Wie sehen Sie seine Verwendung?

„Ich habe das Gefühl, dass es sich insgesamt um ein Objekt mit vielfältigen Nutzungen handelt. Ob als reine Skulptur oder mit Kerze — halten Sie es spielerisch: Der spannendste Teil beim Entwerfen eines Produkts ist zu sehen, wie Menschen es auf Weisen verwenden, die ich mir nie vorstellen konnte. Ich sehe es auf dem Boden, neben dem Bett, beim Essen, auf einem Kaminsims, auf dem Couchtisch. Es ist etwas spezifisch, aber wenn man ein Buch öffnet und es darunter legt, mit dem Auslaufen des abendlichen Lichts... Es gibt viel Magie, mit der man spielen kann, und ich kann es kaum erwarten zu sehen, wie Menschen seinen Platz in ihren Häusern erfinden. Über seine beabsichtigte Nutzung hinaus transportiert Interconnect Zeit, Natur und die Art, wie wir früher vom Kerzenlicht gesehen haben, in eine neue Bedeutung, in der Licht – oder sogar dessen Abwesenheit – mit einfacher Reinheit und geformten Begegnungen aufrechterhalten wird.“